Leon Francis Farrow – Leon Francis Farrow

Eine Band, ein Album, ein Name. Das was drauf steht, das bekommt man auch, und zwar genau DAS, keinen extra Schnick schnack, keine Farben, kein Tam Tam. Indierock, dass ist es was sie können und dass ist es was sie tun – sie spielen, bespielen alle Bühnen.

Leon Francis Farrow machen nicht nebenbei Musik, nein, sie sind Vollblutmusiker, Musiker mit Leib und Seele.

 

Die Berliner Band hat sich vor Jahren zusammen gefunden, lediglich Jacco hat es erst etwas später dazu gespült. Aber seitdem Jacco an Bord ist, wird gearbeitet, geschrieben und gespielt.

Ich freue mich, das Album schon vorab bestaunen zu können, gerade Songs wie „Plastic City“ haben es mir angetan. Es beginnt im Regen, mit diesem Gefühl im Bauch die Wolken einreißen zu wollen um wieder die Sonne ins Herz lassen zu können. Und da sind Leon Francis Farrow und hauen dir plötzlich die Gitarre, das Schlagzeug und das Tamburin um die Ohren, sodass du nur noch blau siehst und diese Wärme in dir aufsteigt die dir seit langem gefehlt hat.

Leon Francis Farrow können aber auch anders, sie hinterfragen viel und beschäftigen sich mit unserer aktuellen Politik.

In dem Song „Marilyn Said“ fordert Marilyn Monroe den heutigen Präsidenten auf seinen Friedensnobelpreis zurückzugeben, wenn ihm egal ist was sogar in seinem Land passiert.

 

Wer Leon Francis Farrow live erleben möchte hat jetzt die Gelegenheit dazu. Das Album Leon Francis Farrow erscheint am 08.04.2016!

Hier die Konzertdates:

07.04 Osnabrück, Der Zauber von OS
08.04 Hildesheim, WOHNZIMMER
09.04 Frankfurt, Secret Show
13.04 Tübingen, Café Haag
14.04 Stuttgart, Kap Tormentoso
15.04 Würzburg, Wunschlos Glücklich
16.04 Bielefeld, c.ult chamber unlimited ev
21.04 Celle, Ms – Loretta
22.04 Magdeburg, Turmpark
28.04 Hannover, Minchens Livemusic Club
29.04 Gelsenkirchen, Wohnzimmer GE

 

Und hier die aktuelle Auskopplung „Give it some Time“ aus dem Album „Leon Francis Farrow„:

https://www.youtube.com/watch?v=zS0g52l9Fpk&feature=youtu.be

 

Sarah

A Tale of Golden Keys – Everything Went Down as Planned

Nach fünfjähriger Bandgeschichte veröffentlichen A Tale of Golden Keys ihr Debütalbum Everything Went Down as Planned. Dem wiederum hört man an, dass die drei talentierten Musiker des Projekts ihre gemeinsame Zeit sinnvoll genutzt haben und zu einer gereiften Band zusammengewachsen sind. Als solche haben sie sich von EP zu EP immer weiter von gängigen Genres isoliert, weshalb auch immer das leise Gefühl mitschwingt, ihre Kunst kaputtzumachen, sobald man anfängt, sie zu beschreiben. Für Pop haben sie zu viel Kraft, für Rock zu viel Feingefühl, für Folk stehen sie zu sehr auf Synthesizer, für Synthiepop zu sehr auf hohle Instrumente. Und für New Weird Bavarian sind sie zu bescheiden. Aber warum soll man sich auch einschränken, wenn doch der perfekte eigene Sound irgendwo zwischen den Schubladen rumliegt und man in der komfortablen Lage ist, ihn zu finden? Und A Tale of Golden Keys tragen nunmal diese seltene Begabung mit sich herum, aus den verschiedenen Indie-Elementen etwas Eigenes zu schaffen: einen völlig unaufgeregten Crossover.

Und die Unentschiedenheit des Genres ist es auch, was ihre Musik spannend macht, die sonst eher zurückhaltend ist und ihren Hörer*innen selbst durchaus Sensibilität abverlangt. Über subtilen, aber bestimmten Rhythmen und feinen Harmonien liegt ein andächtiger, mehrstimmiger Gesang. Sie haben viel Kraft, setzen diese aber bescheiden und klangverliebt ein. Immer wieder erarbeiteten sie sich diese aus der Tiefe leiser Klänge und zeigen, dass ein einfacher Klavierton härter einschlagen kann als ein Gitarrensolo. Sie hätten das Ganze einfacher haben können, aber wählen eben die anspruchsvollere Variante. Und an den Stellen, an denen ihre Musik dann wirklich ausbricht, kommt dies, dadurch, dass zuvor alle Alternativen durchgespielt wurden, viel mehr zum Tragen und erscheint so verdient und unausweichlich, dass es gezielten Sprengungen gleicht, die ja bekanntlich zu den schönsten Erscheinungen überhaupt zählen (man muss ja nur mal bei YouTube „Gebäudesprengung“ eingeben). „Everything Went Down as Planned“ entpuppt sich als überaus trefflicher Titel, so wie der Herbst sich als ein dankbarer Zeitraum für das Releasedatum erweist. Denn man kann die kalten, sonnigen Herbsttage zwar auch komplett ohne Musik genießen, aber mit den melancholischen Songs, die A Tale of Golden Keys nunmehr auf den Markt geworfen haben, fällt das doch erheblich leichter.

 

Gregor

Vögel die Erde essen – Besuch von innen

Vögel die Erde essen lassen sich schwer einfangen. Das wissen Jäger seit langem, das kriegen aber auch Musikjournalistinnen im Moment zu spüren. In diesen Tagen veröffentlicht diese Band mit dem Namen, der in jedem Festival-Line-Up die schöne, homogene Bandnamenreihe sprengt, ihr Debütalbum Besuch von innen. Wer je etwas von ihnen gehört hat, weiß, dass es viel zu erwarten gibt. Eine Menge Chaos und drei mutige Musiker, die sich ihm stellen. Aber was passiert da genau?

Es gibt: sich überschlagendes Getrommel, einen knurrend treibenden Bass, oft heulende, kryptische, dissonante Gitarrenspuren. Und dreistimmigen Gesang, der sich irgendwo zwischen Frittenbude-/Deichkind-Lebensparolen und Falsettarien bewegt. Wenn sich letztere hymnisch über einen vollen Groove-Rock-Sound erheben, erinnert die Band vom Sound her fast ein wenig an Muse. Was natürlich erstmal eine Palette ist. Aber alles ist momenthaft. Irgendwie ergeben sich auch immer mal Punk oder Noise Rock, wofür ihr Sound am Ende aber dann doch viel zu experimentell ist. Textlich wie musikalisch suchen die drei stets gemeinsam das Absurde, richten sich liebevoll darin ein und hauen alles wieder kaputt. Aber diese drei Phasen fressen sich so geschickt ineinander, dass ihre Musik eine ständige Unruhe produziert, was ihnen wie ihren Hörerinnen aber auch ziemlich viel abverlangt. Die Musik von Vögel die Erde essen ist bestimmt nicht für alle was und sicher keine Tischmusik. Aber dafür sind sie auch nicht angetreten: Wer komplexe Musik sucht, kommt voll auf seine Kosten.

In ihrer Verspieltheit erinnern sie, wenn man sie denn unbedingt vergleichen möchte, am ehesten noch an Bands wie The Mars Volta. Aber ihre Einflüsse erscheinen so unterschiedlich zu sein, dass man sie in jedem Fall von jedem Vorwurf freisprechen muss, es sich in einem Erbe bequem zu machen. Was sie hingegen wirklich charakterisiert, ist die ständige Wachheit, mit der sie ans Werk gehen. Sie sind sich schlicht für nichts zu schade und erspielen sich dadurch eine erfrischende Vielseitigkeit, die ihr Album Besuch von innen prägt.

Ein Beispiel: Der Song fahrstuhl nach unten fängt mit einem melancholischen Gesang an. Irgendwer singt ruhig, aber bedacht, einen Text in ein Mikrofon und singt so etwas wie: „In einer U-Bahn unter dem Meer … Das ist jetzt 150 Jahre her … Und ihr Quietschen reicht bis an den Strand … Und die Fische gehen langsam an Land“. Das hat der Song mit allen anderen des Albums gemeinsam – ständig ergeben sich Bilder, niemals ein vollkommen gedeckter Sinn. Später driftet das Lied ins Psychedelische ab, erreicht irgendwann einen Punkt, in dem er in ein apokalyptisches Finale münden könnte, zerfällt dann aber doch freiwillig in seine Elemente und ergibt sich dem Chaos, aus dem er kam.

Diese Unberechenbarkeit prägt ihren Sound und verspricht eine interessante Zukunft mit der jungen Band, der nichts im Wege zu stehen scheint. Außer dem Chaos selbst eben. Kein Wunder eigentlich, dass sie bei Kreismusik gelandet sind, dem Label, das auch Käpt‘n Peng trägt. Dort scheint sich ja ohnehin eine kleine Do-It-Yourself-Avantgarde zu versammeln, die aufmerksam beobachtet werden sollte. Besuch von innen auf jeden Fall ist eins der Alben der Stunde.

 

Gregor

 

 

M E T R Y K – Gold of Pleasure

METRYK (gerne auch suchmaschinenfeindlich „M E T R Y K“ geschrieben) kommen aus Berlin und machen eine Art synthetischen Postpop, den sie auf ihrer Debüt-EP Gold of Pleasure präsentieren. Doch wer sind sie und was machen sie da?

Mit weiblichem Gesang und versierten Instrumtalspuren haben METRYK von den Voraussetzungen her durchaus Ähnlichkeit mit CHVRCHES, denen ja hin und wieder vorgeworfen wird, ihre Songs klingen nach Disney-Jingles. Hier erschöpft sich die Ähnlichkeit bereits, denn dieser Vorwurf trifft auf METRYK in keiner Weise zu: Ihre Musik ist deutlich subtiler und fast eine entfremdete Variante des Sounds von CHVRCHES, in der Beats im Zweifelsfall vermieden oder auf das Nötigste wie den „broken beat“-Abschlag reduziert werden. Zentraler ist das Zusammenspiel eines komplexen Klangmosaiks aus effektgeladenen Synthies- und Gitarrensounds über hohlen Basstönen, durch die sich eine weiche Stimme schleicht.

Einzelne hohe Synthiepassagen oder ausklingende Gitarrenakkorde bringen eine Art Bedrücktheit in die Songs, die außergewöhnlich ist, da sie keine Schwere in die Musik legt. Durch sie dringt eine Art Tristess und Weltschmerz durch, die jede gute Zeit ungenießbar zu machen vermögen. Wie am letzten schönen Tag vor einem langen Winter: Dieses unerträglich Leichte im Sein findet einen Ausdruck. Wenn man es lässt.

Auffällig ist aber vor allem auch der abwesende, hauchige Gesang, der fast etwas nach Triphop klingt. Doch das Ganze ist kein Triphop. Auch hier fehlt die Schwere. METRYK haben damit sicher auch von Bands wie Daughter oder The XX gelernt und begeben sich damit in gute Gesellschaft. Aber sie verstoßen an vielen Stellen immer wieder die Intimität, die ihre Musik erzeugen könnte.

Oft wirkt ihre Musik statisch, robotisch, fast metrisch („metrysch“) am Reißbrett bzw. Computer entworfen und sorgfältig ausproduziert. Dennoch schaffen sie es, über die gesamte EP hinweg eine gewisse Spannung zu halten. Nur läuft diese Spannung im Gesamtkontext der Platte ins Leere, sodass sich bei allem, was sich in die Songs hineinhören lässt, nicht heraushören lässt, warum sie überhaupt geschrieben und aufgenommen wurden.

Das kann allerdings ein wertvolles Stilmittel sein und macht sie, andersherum betrachtet, ja vielleicht gerade interessant. Denn ihre Musik lässt Fragen offen und lässt einen nicht direkt wieder los. Und vielleicht ist es ja gerade diese Scheiß-drauf-Einstellung aus dem Rock, die in der Landschaft dieses experimentellen Synthpops fehlt, den sie betreiben. Auf jeden Fall macht Gold Of Pleasure Lust auf mehr und Lust auf live. Denn auch wenn bzw. gerade weil sie ihn nicht verraten möchten, klingt doch durch, dass METRYK bei dem, was sie tun, einen vielversprechenden Plan verfolgen.

 

Gregor

Maximilian Hecker im Privatklub, Berlin 22.1.2015

Foto by John Heidkamp

Wer hat Angst vor Maximilian Hecker? Keiner – könnte man denken. „Blöde Frage“, müsste man einwenden. Aber so einfach ist es nicht. Das (und vieles mehr) zeigte sich am 22.1.2015 bei seinem Konzert im Privatklub. Dort gab Maximilian Hecker einige Facetten seines Seins und Wirkens zum Besten. Dabei waren es eigentlich zwei Shows ineinander.

 

In der ersten Show fand sich ein introvertierter, virtuoser Musiker mit dem Rücken zu seinem Publikum auf einem Schemel wieder und spielte auf Gesang und Klavier heruntergebrochene, elementare Versionen seiner Songs. Ab und zu griff er zur Gitarre und setzte sich damit in die andere Bühnenhälfte. Seinen Mikrofonständer nahm er mit – keine Roadies, keine Umstände. Er zeigte sein Format, gab preis, was er kann. Es ging um die Musik, das Ganze wirkte sphärisch, authentisch, intim.

 

Die zweite Show spielte weitgehend zwischen den Songs. Ein Entertainer erzählte auswendiggelernte Witze, las Anekdoten aus seiner flapsig geschriebenen Autobiographie vor und versuchte sich unbeholfen an Publikumsinteraktionen. Die Witze waren dabei immer wieder dieselben und damit, dass Leute auf seine Fragen antworteten, konnte er nicht umgehen. Seltsam waren ständig wiederholte Ansagen wie „Freddy Mercury würde jetzt diese Bewegung machen“ oder „Na, Berlin! Gut, dass Wochenende ist, was?“. Denn keiner war für Freddy Mercury da. Und es war Donnerstag.

 

Im Hintergrund erschienen während alledem übergroß Einblendungen seines Namens und Videos, die neben Impressionen von Touren vor allem eines zeigten: sein Gesicht. In schnellgeschnittenen Sequenzen präsentierte sich ein neugieriger, enthusiastischer Maximilian Hecker. Seltsam nur, dass sich genau der Maximilian Hecker zeitgleich am Klavier fast hundertprozentig anders gab und sein reales Gesicht lieber völlig verbarg. Oder sich hinter einer Wand aus vorformulierten Ansagen versteckte. Irgendetwas passte da nicht zusammen. Vor irgendetwas hatte er Angst. Aber wovor?

 

Seine neue Platte Spellbound Scenes of my Cure ist erst seit kurzem draußen, erlangte bereits hohe Präsenz in den Medien und konnte gute Kritiken einfangen. Läuft doch. Gut, in Deutschland gilt er immer noch als Außenseiter, während er in Asien bereits große Hallen bespielt. Aber wie heißt es so schön? „It’s easy when you’re big in Japan“. Also warum so schwer?

 

Ein Indiz befindet sich auf dem Album: Es folgt einem Konzept und erzählt von acht Zufluchtsorten, darunter ein Flughafendorf bei Kopenhagen, den er abends erreicht, ein Billighotel in Berlin-Henningsdorf, in dem er Silvester verbringt, und eine Hotellobby in Peking, in die es ihn nachts verschlägt. Zum einen bieten diese „places not to be“ ihm Geborgenheit und die nötige Selbsterfahrung, aus der er sein kreatives Potenzial zieht. Zum anderen impliziert dieser überschwängliche Ausdruck des Angekommenseins bereits immer schon die Notwendigkeit einer vorausgehenden Flucht. Nur wovor flüchten? Vor den Fans und dem Rummel um ihn? Oder vor dem, dem sie alle hinterherrennen? Es scheint, als sei das, was nicht zusammenpasst zum einen die Marke Maximilian Hecker und zum anderen Maximilian Hecker selbst, der Mensch hinter der Marke.

 

In einem Interview hat letzterer mal gesagt, dass ihm Fans, die ihn anhimmeln, immer leidtun, denn sie kennen ihn ja eigentlich gar nicht und ergeben sich einer Projektion. Aber wie soll man ihn auch besser kennenlernen? – Klar, seine Songs handeln von ihm selbst, sogar von Selbsterfahrungen, dem Intimsten. Aber dazu muss man es auch erstmal schaffen, das wieder herauszuholen, was er hineinsteckt. Und das ist bei einer endproduzierten Platte mit Streichern und Backingvocals, die an Orten spielt, an denen die meisten Menschen noch nie waren, gar nicht so leicht. Wüsste man es nicht besser, könnte zum Beispiel ein Songtitel wie „To Liu Wen, The Opposite House, 3 A.M.“ eher nach Stalking klingen als nach einem nächtlichen Absacker in einer Hotellobby, in die man immer mal wollte. Und gerade die Art von sphärischem Postpop, den er betreibt, lebt doch durch Leerstellen.

 

Gute Musik erzeugt beim Anhören Bilder. Und die sind in den allermeisten Fällen nunmal anders als die Bilder, die ihr Komponist oder Interpret hineingelegt hat. Zu einem Abgleich der Bilder verabredet man sich dann zu Konzerten. Dort elementare Versionen zu spielen, ist dafür ein schöner Ansatz. Könnte auch dabei helfen, Mensch und Marke auf der Bühne wieder zusammenzuführen. Aber im Privatklub war irgendwie von dem Menschen nichts zu sehen. In den Songs konnte man ihn hören und dabei seine Konturen betrachten. Sonst war da nur die Marke bzw. Maske, die allseits geliebte (und in einem Ausnahmefall gefürchtete) Projektion, die alles Persönliche immer wieder durchbrach. Schade. Vorschlag: Witzebuch weg, Beamer aus, Klavier zum Publikum und das Ganze nochmal von vorn. Nur keine Angst vor Maximilian Hecker, Maximilian Hecker. Er steht dir bestimmt, probier’s aus!

 

Gregor

Maximilian Hecker im Privatclub

Maximilian Hecker im Privatclub

Maximilian Hecker im Privatclub

Maximilian Hecker im Privatclub

Maximilian Hecker im Privatclub

Maximilian Hecker im Privatclub